摘要。 巴洛克时尚是一种装饰工程体系。服装构造的核心是物质层面的过剩。表面由刺绣、金属线、珠绣和织锦高度饱和。这种密度将服装从穿戴物转变为建筑展示系统。其美学遵循积累的逻辑。每一个表面都是展示劳动的基底。轮廓通过内部工程超越了人体比例。鱼骨、裙撑和垫料提供结构支撑。材料的选择旨在捕捉和折射光线。这种审美服务于景观需求。它与极简主义截然不同。极简主义追求减法。巴洛克则将装饰视为主要的沟通系统。装饰并非附属。它是服装存在的本质理由。该体系的逻辑依赖于装饰密度、廓形夸张、材质重量与隐形工程的相互配合。

物质层面

巴洛克时尚的载体是华丽的织物。丝绸织锦通过提花机生产。金属线或彩色丝线在缎面或斜纹底上形成浮雕图案。剪绒天鹅绒利用绒毛高度差创造雕塑感。丝绸大马士革织物利用光影角度展现花纹。刺绣系统同样稠密。这包括盘金绣、钩针珠绣以及手工镶嵌的施华洛世奇水晶。性能受重量和脆弱性支配。一件全装饰的巴洛克紧身胸衣重量可达两到四公斤。内部鱼骨结构必须分担重量。否则压力会完全集中在肩部缝线上。这些材料在应力下容易断裂。摩擦点会导致珠片脱落。金属线接触空气中的硫会变色。真丝天鹅绒受压后难以复原。这需要专业的蒸汽处理。

类别层级

巴洛克位于极繁主义光谱的顶端。它的对立面是极简主义。中间地带包括浪漫主义和波西米亚折衷主义。巴洛克不同于其他极繁类别。坎普（Camp）强调讽刺性的过剩。奇趣（Kitsch）利用品味的冒犯。通用的极繁主义仅描述体量。巴洛克坚持物质的真实感和工艺密度。过剩必须通过实际的装饰劳动来实现。单纯的印花模拟并不构成巴洛克时尚。那是对巴洛克的引用。它用图像取代了物质现实。这种装饰的真实性是该类别的核心评判标准。

研究方法

本条目将巴洛克时尚视为装饰工程系统。分析重点在于装饰的物质生产、结构支撑及社交部署。同时探讨高级定制与商业模拟之间的转换如何改变其意义和真实性。

词源

“巴洛克”在 18 世纪中期进入欧洲评论词汇。最初这是一个贬义词。它指代过度装饰、不规则且戏剧化过头的艺术。这背离了古典主义的平衡与和谐。该词的词源有两个主要出处。一是葡萄牙语 barroco。这是一个珠宝术语。意为不规则形状的珍珠。它代表了形式的不规则与装饰潜力之间的紧张关系。二是中世纪拉丁语 baroco。这是一个逻辑学术语。指代一种极其复杂的演绎推理。它暗示了不必要的繁琐。这两个词源指向同一个语义场。即超出理性解释的过剩。形式超越了功能需求。装饰淹没了它所装点的结构。

20 世纪中期，服装历史学家系统地将该术语应用于时尚领域。它用于定义 17 世纪到 18 世纪初的欧洲服饰。那是凡尔赛宫廷文化时期。也是国家赞助奢侈品制造业的时期。当时的财政大臣让-巴蒂斯特·柯尔贝尔将丝绸织造视为经济政策工具。在当代时尚语境中，“巴洛克”已演变为一种跨历史的风格类别。它代表任何优先考虑装饰密度和物质华丽的系统。范思哲（Versace）的美杜莎印花是巴洛克。杜嘉班纳（Dolce & Gabbana）的西西里宗教元素是巴洛克。亚历山德罗·米开勒时期的古驰（Gucci）也是巴洛克。该术语是一个浮动的能指。它植根于历史，但随时可以重新附着在任何追求极致装饰的瞬间。这种语义灵活性既是分析工具，也是其弱点。它容易将物质上完全不同的生产体系混为一谈。

亚文化

巴洛克时尚并非锚定在单一亚文化中。它跨越多个相互重叠的共同体。每个群体出于不同的社交目的部署装饰语言。

高级定制与奢侈品成衣共同体构成了核心。在这里，巴洛克是工坊实力的证明。手工刺绣和水晶镶嵌展现了技术极限。杜嘉班纳的 Alta Moda 和 Elie Saab 的工坊是典型代表。一件作品可能需要数千小时的手工劳动。权力的等级从客户流向创意总监，再到刺绣师。地位向上累积。而构成美学实质的体力劳动往往隐形。

红毯与明星造型共同体将巴洛克视为视觉货币。在这里，评价标准是视觉冲击力。珠片如何捕捉闪光灯。廓形如何在远距离被识别。造型师充当了高级定制与媒体消费之间的中介。他们选择那些在镜头前最具表现力的服装。服装的图像性能比技术细节更重要。

舞厅（Ballroom）文化源于纽约的黑人和拉丁裔性少数群体。它利用巴洛克词汇进行身份重塑和竞争。在这里，巴洛克不代表继承的贵族身份。它代表创造性的自我发明。成员们使用市场上的材料协作缝制服装。他们模拟财富、优雅和工艺。这种关系既真诚又具有颠覆性。它证明了不同社群可以掌握并延伸装饰美学的准则。

历史复原与 Cosplay 群体追求物质的准确性。他们根据博物馆馆藏和历史文献评估服装。专业性体现在对来源的引用。他们坚持使用手缝鱼骨通道。他们寻找真丝塔夫绸而非化纤缎面。这种权威源于对档案的尊重。

在线审美社区在 TikTok 和 Pinterest 上运作。在这里，巴洛克被消费为图像。它是一种视觉氛围。参与者只需拼凑符合特征的图片。这种参与淡化了物质特异性。一件印有提花图案的聚酯纤维连衣裙在屏幕上也被称为巴洛克。这与追求物质真实的社群之间存在紧张关系。

历史

巴洛克时尚的历史与国家形成及全球贸易密不可分。每个阶段都产生了特定的纺织技术和社交功能。

宫廷奇观与国家奢侈品（1643–1715）。 这一体系在路易十四统治下成型。财政大臣柯尔贝尔将奢侈品视为重商主义政策。法国建立了戈布兰挂毯厂和里昂丝绸垄断体系。目标是从意大利手中夺取贸易权。凡尔赛宫的服饰成了经济项目的载体。大礼服（Grand Habit）耗费巨量丝绸和金线。这种服饰不仅是个人表达。它是一种政治技术。服装传达了官阶、恩宠和对国家工业的参与。

纺织工业化与浪漫主义复兴（1780s–1900s）。 1804 年，提花机通过打孔卡实现了花纹织物的机械化生产。这是现代计算的先驱。在此之前，织造极其缓慢且昂贵。机械化降低了成本。它让巴洛克视觉语言得以广泛传播。浪漫主义时期通过历史复兴再次追求装饰密度。查尔斯·弗雷德里克·沃斯确立了现代高定的框架。他大量借鉴巴洛克元素。美好年代（Belle Époque）生产了技术最精湛的服装。其工时足以媲美 17 世纪的宫廷装。

20 世纪的巴洛克循环（1947–1999）。 迪奥（Dior）的“新风貌”恢复了巴洛克轮廓。它标志着物质匮乏时期的结束。时尚再次要求结构性的过剩。巴黎世家（Balenciaga）则通过内部工程实现雕塑感。这是对巴洛克空间的现代化解释。20 世纪 80 年代产生了最显性的巴洛克瞬间。克里斯汀·拉克鲁瓦（Christian Lacroix）拒绝极简主义的紧缩。詹尼·范思哲（Gianni Versace）构建了最成功的商业巴洛克体系。他创造了一套连贯的符号。美杜莎头像代表权力的凝视。金属链网和别针成为标志性配饰。约翰·加利亚诺在迪奥期间将戏剧性推向顶峰。他的服装是移动的舞台场景。亚历山大·麦昆（Alexander McQueen）将装饰密度与哥特式黑暗结合。他的巴洛克充满心理张力。

数字时代与平台美学（2010 至今）。 2008 年衰退后，巴洛克意外复兴。经济紧缩引发了对浮华的渴望。这既是逃避，也是批判。杜嘉班纳的西西里系列成为了 Instagram 上分享最多的图像。亚历山德罗·米开勒的古驰创造了极繁主义的堆砌美学。奥利维尔·鲁斯汀（Olivier Rousteing）的巴尔曼（Balmain）专为社交媒体设计。重点在于图像的可读性。网飞剧集《布里奇顿》将巴洛克视觉编码推向大众。夏帕瑞丽（Schiaparelli）的丹尼尔·罗斯伯里将超现实主义与装饰密度融合。镀金的胸衣既是景观，也是对景观的艺术评论。

轮廓

巴洛克轮廓遵循体积扩大的原则。身体被重新构建。它超越了人体解剖比例。这种量感是工程化的结果。它是僵硬且结构化的。这不同于波西米亚风格的垂坠感。

基础结构依赖于内衣。紧身胸衣将躯干压缩成漏斗状。历史上的胸衣使用鲸须。现代则使用螺旋钢骨或扁钢骨。工程的挑战在于分担压力。一件优秀的胸衣能在保持呼吸顺畅的同时缩减腰围。差劲的胸衣则会导致肋骨疼痛和擦伤。

腰部以下使用体积生成结构。16 世纪的法辛盖尔（Farthingale）创造了鼓形或圆锥形轮廓。18 世纪的帕尼耶（Pannier）创造了极端的横向宽度。穿戴者甚至需要侧身进出门。19 世纪的克里诺林（Crinoline）利用钢圈创造了穹顶裙摆。臀垫（Bustle）则将体积引向后方。这些结构解决了同一个工程问题。即如何支撑超出面料承重极限的轮廓。

上半身则通过肩膀和袖子的设计来扩大。泡泡袖增加了肩线宽度。这与下半身的体量形成比例。现代巴洛克如巴尔曼的垫肩，将躯干塑造成倒三角形。高领设计则延伸了垂直轴线。比例逻辑遵循注意力层级。压缩的腰部是视觉锚点。装饰密度在视觉焦点区增加，在隐蔽区减少。这种策略最大化了正面和侧面的视觉冲击力。

材质

材料选择遵循一个原则。每种面料必须具备足够的表面复杂度或光影互动能力。轻薄、哑光或平整的材料通常被排除。除非它们作为隐藏的支撑基底。

织锦与提花丝绸。 织锦是巴洛克面料的首选。它在缎面或斜纹底上加入额外的经纬线。这种复杂的图案在提花机上完成。针数直接影响细腻度。真丝织锦具有天然光泽。合成纤维则显得平整。真丝能产生三棱镜般的折射。织锦的弱点在于容易钩丝。长时间使用会导致边缘脱线。

真丝天鹅绒。 天鹅绒利用特殊的绒毛编织。绒毛高度和密度决定了手感。真丝天鹅绒代表了最高水准。其色泽随视角变化。烂花工艺利用化学手段去除部分绒毛，产生透视感。天鹅绒最大的天敌是压力。久坐或折叠会永久压平绒毛。存储时必须卷起或使用专用衣架。

金属线与金线绣。 这是巴洛克表面的巅峰。主要技术是盘金绣。因为金属线太硬，无法穿过织物。金线绣能显著增加服装重量。现代生产多用聚酯薄膜制成的 Lurex 替代。这大大减轻了成本和重量。真正的金线在硫磺环境下会变黑。金属层也可能发生脱落。

珠片与水晶。 视觉密度常通过附加元素实现。玻璃珠、亮片、珍珠和水晶被大量使用。连接方式决定耐用性。手缝珠子最稳固。钩针珠绣效率更高，但一旦断线就会产生连锁脱落。热粘合的水晶最不稳定。胶水会随时间老化。全珠绣礼服可重达 20 公斤。这需要强大的内部悬挂系统。

支撑基底。 华丽表面之下是不可见的工程。高支棉斜纹布用于胸衣的稳定性。马毛衬使夹克挺拔。丝绸欧根纱增加体量。没有这些支撑，巴洛克时尚就会失去其建筑般的骨架。

色彩方案

巴洛克调色板围绕视觉冲击力组织。色彩必须在远距离保持丰富。它们必须在人造光下依然夺目。历史上是烛光，现在是屏幕。

宝石色系是核心。祖母绿、蓝宝石、红宝石和拓帕石金。这些色彩代表了矿物财富。饱和的中暗色调为金银装饰提供了最佳背景。这种关系是光学工程的结果。补色对比产生震颤感。

黑色并非缺席，而是终极的背景。它像是一个色度空洞。在此之上，金银和水晶的对比度达到最大。范思哲对黑色真丝与金色印花的运用利用了这一光学原理。它赋予了装饰物一种自发光的错觉。

白色和象牙色用于礼仪场合。此时色彩消失。所有注意力都集中在面料纹理、廓形和工艺上。白对白的设计对材质要求最高。因为没有色彩可以掩盖平庸的工艺。

金属色本身就是一种色彩。在巴洛克美学中，金属既是装饰也是基底。这种装饰与载体的合一在其他风格中极少见。

细节

细节具备双重功能。它们既是解决重力挑战的工程方案，也是半波符号系统。每一个扣件都承载着社会意义。

闭合系统。 历史上通过系带和钩扣来分配张力。现代作品使用隐形拉链。重装饰面料安装拉链极难。珠子会卡住拉链齿。高定方案通常在缝合线处预留空间。或者在腰部受力点使用加强钩扣。拉链仅作为辅助。

边缘处理。 边缘本身也是装饰。丝绸上的手工卷边极细。金属编织带被缝合在边缘。这既封住了毛边，也增加了装饰边框。在高定中，边缘处理是最耗时的。它决定了服装如何与皮肤或空气交接。

装饰化五金。 扣子很少仅具备功能。它们是微型雕塑。包括金属铸造、镶嵌珠宝或织锦包扣。范思哲的别针是典型。它将闭合系统转化为视觉主角。打破了固定件与装饰物的界限。

蕾丝与附加织物。 蕾丝是服装与皮肤之间的阈限。它既遮掩又暴露。历史上的威尼斯针绣蕾丝曾比服装本身更贵。当代则混合使用机械蕾丝和手工绣花网眼纱。饰带和边饰增加了表面层级。这让平整的面料也能呈现出巴洛克的复杂度。

配饰

配饰延伸了装饰逻辑。它们将穿戴者彻底转化为景观。

鞋履遵循高密度原则。历史上鞋面使用丝绸或织锦。现代则是镶满水晶的泵鞋或厚底鞋。由于材质脆弱，这些鞋履的寿命往往较短。水晶胶水在行走应力下容易失效。

珠宝具有建筑规模。它们是大体积的，而非精致的。吊灯耳坠、叠穿项链和夸张的鸡尾酒戒是必备。它们在裸露的皮肤上继续堆叠密度。这一系统涵盖了从顶级珠宝到高品质时尚珠宝的所有层级。层级的高低直接反映了真实性的光谱。

包袋是便携的装饰表面。镶珠晚宴包、金属框架包以及杜嘉班纳的木制装饰盒。包的装饰价值远超其装载能力。

头饰完成了垂直轴线的封顶。宝石发栉、冠冕状头箍或全包围式头饰。这在红毯和婚礼场景中尤为关键。头部成为了整幅构图的视觉顶点。

身体逻辑

巴洛克时尚将身体视为展示架。身体是一个结构支架。它的目的不是展示自然形态，而是重塑建筑形态。这与当代“身体自爱”的观念背道而驰。巴洛克不迎合身体。它通过压缩、延伸和填充来重建理想比例。

胸衣创造了人工的几何感。裙撑将下半身从生物形式转变为几何体积。肩垫补足了廓形所需的量感。最终，巴洛克包裹下的身体与裸露的身体几乎没有相似之处。轮廓是服装的成就，而非身体的。这种建筑化的身体观从凡尔赛宫延续至今。

性别编码通常被放大。女性巴洛克通过压缩和提升来夸张第二性征。男性巴洛克则通过垫肩和修剪来强调力量感。身体不是从性别规范中解放。而是处于规范的极端表达下。舞厅文化复杂化了这一二元性。他们证明了女性特质可以通过工程构建。性别展示是一种劳动的产物。而非天然的表达。

巴洛克身体也是被禁锢的身体。沉重的服装限制了活动。胸衣限制了呼吸。长裙限制了步伐。这种不便并非设计缺陷。它是一种社交功能。无法进行体力劳动证明了穿戴者的阶级地位。能够承担这种限制的身体，就是巴洛克身体的最终含义。红毯场景复刻了这一逻辑。明星需要造型师和助手随行。这种依赖性本身就是权力的体现。

服装逻辑

巴洛克服装是一套多层工程系统。可见的装饰依赖于隐形的载体。

支撑层构造。 最内层由真丝或棉布制成。它保护皮肤不受鱼骨伤害。它也保护服装不受汗液侵蚀。鱼骨通道被缝在衬里上。定制作品会根据穿戴者的腰部曲线调整鱼骨长短。材料决定了质量阶级。螺旋钢骨最专业。化纤骨架次之。廉价的塑料扎带则会迅速变形。

装饰面施工。 这是劳动最集中的部分。刺绣通常在绷架上完成。生产顺序至关重要。通常先完成结构缝合。然后在成品上加固装饰。这保证了图案在缝隙处的衔接。高定作品有时在平整裁片上刺绣。这更快，但对对齐要求极高。成本核算非常残酷。数百小时的手工费可能高达数万欧元。这还没算上面料本身。

缝纫工程。 处理重装饰面料需要特殊技术。缝合前必须去除缝边处的珠子。否则针头会断裂。织锦切开后极易散边。必须立即包边处理。家用缝纫机无法穿透这些厚度。必须使用工业机器。高定的内缝通常手工处理，以保证舒适度。

后期维护。 巴洛克服装要求最高级的养护。干洗是标准。但溶剂可能会损毁胶水或使亮片失去光泽。修复专家建议局部清洁。天鹅绒严禁直接熨烫。织锦必须从反面加垫布熨烫。存储时必须使用加宽的软垫衣架。否则重力会在几天内扯坏肩部。极重的礼服必须平铺在无酸盒中。这需要巨大的存储空间。

失效模式。 这些服装的生命周期是有限的。机械故障包括断线导致的珠片脱落。材料降解包括金属线氧化和丝绸脆化。结构失效包括重力导致的缝线撕裂。化学失效包括胶水渗出产生的污点。这种物质的脆弱性是其结构特征。它确保了对生产和修复的持续需求。它维持了由工坊、刺绣师和供应商组成的生态系统。

纹样与主题

巴洛克时尚的图腾库源自欧洲宫廷、宗教仪式和古典神话。它追求的是符号化的装饰，而非写实。

卷轴纹与莨苕叶（Acanthus）是最普遍的图案。它们源自古希腊建筑。范思哲的印花直接引用了意大利宫廷的室内装饰。这些对称的曲线代表了对欧洲贵族传统的继承。它传达了一种阶级合法性的声明。

宗教意象也频繁出现。十字架、光环和圣母像在意大利巴洛克中很常见。杜嘉班纳利用了西西里天主教的物质文化。这些图像带有一种残留的精神力量。将其置于时尚语境中，产生了一种神圣与商业交织的张力。

纹章与王权符号调用了阶级权威。皇冠、百合花饰和狮子。这些符号是合法性的捷径。即使品牌并无贵族血统。它们将视觉词汇转化为可购买的奢侈。巴洛克的植物纹样不同于浪漫主义。它们不是自然主义的。它们是高度风格化的。一朵巴洛克玫瑰通常是金线绣成的。它是雕塑般的物质对象，而非绘画般的图像。

文化坐标

巴洛克时尚通过电影、音乐和大型活动建立坐标。每个媒介都在翻译这种物质密度。

电影方面。索菲亚·科波拉的《绝代艳后》（2006）定义了“流行巴洛克”。它色彩柔和但物质繁复。巴兹·鲁赫曼的《了不起的盖茨比》（2013）将爵士时代翻译为巴洛克式的饱和。库布里克的《巴里·林登》（1975）则是物质真实的巅峰。它是设计师们反复参考的视觉档案。

音乐方面。碧昂丝的《Renaissance》巡演使用了大量的金属胸衣和镀金盔甲。这是黑人极繁主义对华丽话语权的夺回。蕾哈娜在 2018 年 Met Gala 的教皇造型是数字时代的巴洛克经典。它证明了红毯奇观的渗透力远超秀场。90 年代末 Lil' Kim 的风格则开启了嘻哈巴洛克。她领先主流时尚二十年。拥抱了极致装饰。

电视方面。《布里奇顿》引发了市场对紧缩胸衣和巴洛克花纹的狂热。它将这种视觉编码大众化。剧集《姿态》（Pose）记录了舞厅文化对巴洛克的运用。它展示了创造复杂服装不仅是艺术，也是生存策略。

Met Gala 是最重要的制度平台。每一届主题都在激励参与者产生最具冲击力的巴洛克式表现。

品牌与设计师

经典极致主义：

Versace (1978年成立于米兰)。它是现代巴洛克时尚体系的标杆。品牌使用美杜莎头像作为徽章。丝网印刷展现巴洛克卷轴图案。设计中包含别针配件和金链网裙。Gianni Versace将地中海装饰与感官奇观融合。Donatella延续并强化了这些品牌基因。

Dolce & Gabbana (1985年成立于米兰)。这是典型的西西里巴洛克风格。设计包含教堂刺绣和马赛克瓷砖印花。品牌频繁使用宗教图像。其Alta Moda高级定制系列为顶级客户提供极尽装饰的服饰。

Christian Dior (1946年成立于巴黎)。品牌经历了周期性的巴洛克复兴。这涵盖了从“新风貌”时期到John Galliano的剧场化时代。Maria Grazia Chiuri通过精致的高定系列延续了这一风格。

Alexander McQueen (1992年成立于伦敦)。这是暗黑巴洛克风格。装饰具有哥特式的厚重感。品牌使用水晶和金属线勾勒骷髅图案。剪裁参考伊丽莎白时代的拉夫领。Sarah Burton保持了卓越的装饰工艺。

当代巴洛克：

Balmain (2011年至今由Olivier Rousteing执掌)。这是数字时代的巴洛克。设计强调重工钉珠和挺拔廓形。金链装饰具有极高的辨识度。其装饰密度针对社交媒体进行了优化。

Gucci (2015-2022年由Alessandro Michele执掌)。这是极致堆砌的巴洛克。设计包含文艺复兴刺绣和宗教主题。配饰点缀大量珠宝。它刻意挑战大众审美的边界。

Schiaparelli (2019年至今由Daniel Roseberry执掌)。这是超现实主义巴洛克。品牌推出镀金的人体倒模胸衣。珠宝采用错视画手法。金漆树脂呈现解剖学图案。它将巴洛克装饰逻辑与概念艺术结合。

Valentino (2016-2024年由Pierpaolo Piccioli执掌)。这是经过提炼的高定巴洛克。设计利用单色纪律和建筑感轮廓。Piccioli在保持装饰密度的同时确保了廓形的清晰。

Roberto Cavalli (1970年成立于佛罗伦萨)。这是偏向极致主义的巴洛克风格。核心元素包括动物纹和华丽装饰。地中海式的繁复与金色配件随处可见。

装饰专家与定制工坊：

Elie Saab (1982年成立于贝鲁特)。这是晚礼服领域的巴洛克。品牌通过钉珠、刺绣和水晶实现极致装饰。受众主要是中东奢侈品市场。

Zuhair Murad (1997年成立于贝鲁特)。这是技术层面的巴洛克极限。每件礼服需要数千小时的手工钉珠。设计依靠红毯上的视觉冲击力。

Marchesa (2004年成立于纽约)。这是红毯风格的巴洛克。风格浪漫且充满花卉钉珠。设计多采用薄纱和蕾丝的层叠。

Lesage (刺绣工坊，1924年成立于巴黎，2002年被Chanel收购)。它是高级定制刺绣的中心。工坊精通法式钩针刺绣和金线绣。它是各大高定品牌的供应商。

Reem Acra (1997年成立于纽约)。这是婚装与晚宴巴洛克。设计借鉴了中东装饰传统。

历史复兴与工匠风格：

Simone Rocha (2010年成立于伦敦)。这是带有爱尔兰风情的巴洛克。设计特色包括薄纱层叠和珍珠装饰。结构感极强。它强调手工艺的构建。

Erdem (2005年成立于伦敦)。这是植物主题的巴洛克。设计包含花卉刺绣和提花织物。浪漫的极致主义建立在面料研究和历史参考之上。

Iris van Herpen (2007年成立于阿姆斯特丹)。这是科技巴洛克。设计利用3D打印构建装饰结构。激光切割面料和数字制造技术重新诠释了巴洛克的装饰密度。

Thom Browne (2001年成立于纽约)。这是概念巴洛克。品牌通过剧场化的秀场呈现。刺绣西装将装饰性引入传统男装框架。

大众市场与模拟快时尚：

Zara (Inditex集团)。这是对巴洛克元素的季节性转述。它将秀场装饰转化为机器刺绣和印花。

H&M (包括Conscious系列和设计师联名)。品牌定期推出巴洛克启发系列。Balmain合作系列曾大规模生产钉珠廓形。

ASOS与Boohoo。这是电商原生的巴洛克模拟。派对服装使用热粘合水钻和印花织锦。价格通常低于50美元。

Shein。这是超快时尚领域的巴洛克。产品使用数码织锦印花和塑料水晶。这是该审美风格在物质层面的最低体现。

参考资料

以下是与该主题相关的参考阅读列表。

[1] 阿道夫·路斯。《装饰与罪恶》(1910)。重印于《装饰与罪恶：论文选》，Michael Mitchell翻译，Ariadne出版社，1998年。 [2] 海因里希·沃尔夫林。《文艺复兴与巴洛克》。Kathrin Simon翻译，康奈尔大学出版社，1966年。原著出版于1888年。 [3] 约翰·鲁伯特·马丁。《巴洛克》。Harper & Row出版社，1977年。 [4] 荷西·安东尼奥·马拉瓦尔。《巴洛克文化：历史结构分析》。Terry Cochran翻译，明尼苏达大学出版社，1986年。 [5] 瓦莱丽·斯蒂尔。《时尚与色欲：从维多利亚时代到爵士乐时代的女性美理想》。牛津大学出版社，1985年。 [6] 安妮·霍兰德。《透过衣服看世界》。加州大学出版社，1993年。 [7] 艾琳·里贝罗。《18世纪欧洲的服饰：1715–1789》。修订版，耶鲁大学出版社，2002年。 [8] 艾琳·里贝罗。《服饰的艺术：1750–1820年英法两国的时尚》。耶鲁大学出版社，1995年。 [9] 瓦莱丽·卡明，C.W. 坎宁顿，P.E. 坎宁顿。《时尚史词典》。修订版，Bloomsbury Academic，2017年。 [10] 诺拉·沃。《束胸与克里诺林裙》。Routledge，1954年。2004年重印。 [11] 诺拉·沃。《1600–1930年女性服装的裁剪》。Faber and Faber，1968年。 [12] 珍妮特·阿诺德。《时尚模式 1：约1660–1860年英国女性服饰及其构造》。Macmillan，1977年。 [13] 琼·德让。《风格的本质：法国人如何发明了高级时尚、美食、咖啡馆、格调、精致与魅力》。Free Press，2005年。 [14] 丹尼尔·罗氏。《服装文化：旧制度下的服饰与时尚》。Jean Birrell翻译，剑桥大学出版社，1996年。 [15] 莱斯利·埃利斯·米勒。“18世纪法国的创新与工业间谍活动：里昂丝绸销售与间谍活动调查”。《技术与文化》，第36卷，第3期，1995年，第513–535页。 [16] 凯蒂·斯科特。《洛可可室内装饰：18世纪初巴黎的装饰与社交空间》。耶鲁大学出版社，1995年。 [17] 奇亚拉·布斯。《丝绸、黄金与深红：维斯康蒂与斯福尔扎宫廷的秘密与技术》。Silvana Editoriale，2009年。 [18] 丽莎·莫纳斯。《商人、王子与画家：1300–1550年意大利与北方绘画中的丝绸面料》。耶鲁大学出版社，2008年。 [19] 玛丽·哈洛，玛丽-路易斯·诺什编辑。《古希腊罗马纺织品与服饰：跨学科选集》。Oxbow Books，2014年。 [20] 桑蒂娜·M·利维。《伊丽莎白时代的遗产：哈德威克庄园纺织品》。National Trust，1998年。 [21] 波琳·约翰斯通。《教会中的高级时尚：9世纪至19世纪艺术史中教会法衣的地位》。Maney Publishing，2002年。 [22] 兰托·辛格。《刺绣艺术：风格与技术的历史》。Antique Collectors' Club，2001年。 [23] 简·伊顿。《缝纫技术百科全书》。Quarto，2003年。 [24] 帕尔默·怀特。《Lesage的大师手笔：法国时尚刺绣》。Chêne，1987年。 [25] 理查德·马丁，哈罗德·科达。《内衣外穿》。大都会艺术博物馆，1993年。 [26] 安德鲁·博尔顿。《天体：时尚与天主教想象力》。大都会艺术博物馆，2018年。 [27] 苏珊·桑塔格。《“坎普”札记》(1964)。收录于《反对阐释》，Farrar, Straus and Giroux，1966年。 [28] 托斯丹·凡勃伦。《有闲阶级论》。Macmillan，1899年。 [29] 皮埃尔·布尔迪厄。《区分：判断力的社会批判》。Richard Nice翻译，哈佛大学出版社，1984年。 [30] 乔治·齐美尔。“时尚”(1904)。收录于《齐美尔论文化》，David Frisby与Mike Featherstone编辑，SAGE，1997年。 [31] 瓦尔特·本雅明。《拱廊计划》。Howard Eiland与Kevin McLaughlin翻译，哈佛大学出版社，1999年。 [32] 罗兰·巴特。《时尚系统》。Matthew Ward与Richard Howard翻译，加州大学出版社，1983年。 [33] 乔安妮·恩特维斯特尔。《时尚化的身体：时尚、着装与现代社会理论》。第2版，Polity，2015年。 [34] 河村由仁夜。《时尚学：时尚研究入门》。第2版，Bloomsbury Academic，2018年。 [35] 伊丽莎白·威尔逊。《装饰在梦中：时尚与现代性》。修订版，罗格斯大学出版社，2003年。 [36] 戴安娜·克兰。《时尚及其社会议程：服装中的阶级、性别与身份》。芝加哥大学出版社，2000年。 [37] 蒂姆·劳伦斯。“‘听，你会听到所有曾经走过这里的家族’：变装舞会、家族及Voguing文化史”。收录于《1989–92年纽约Voguing与家族舞会场景》，Soul Jazz Records，2011年。